Reseña: ‘Coco’ lleva el toque de Pixar a la muerte


Uno de los placeres de una nueva función de Pixar es la posibilidad de sorprenderse con lo que puede hacer la animación. A veces eres testigo de un gran avance audaz, como la representación asistida por computadora de pieles en «Monstruos inc.,» de agua en «Buscando a Nemo,» o de metal en «Carros.» Las innovaciones en “Coco” no son menos satisfactorias por ser de un tipo más sutil. La flor del cuero y los pliegues oxidados del metal corrugado tienen una calidad áspera, casi táctil. Los huesos humanos, los perros sin pelo y los pétalos de flores de naranja se ven asombrosamente (pero no demasiado) reales. Hay momentos de rigor cinematográfico, cuando los animadores imitan los movimientos y los efectos focales de una cámara pasada de moda en el espacio físico real, que alegrarán el corazón de cualquier fanático del cine. Sin mencionar el número musical inspirado en Frida Kahlo con semillas de papaya danzantes.

“Coco” es también una de esas películas de Pixar que intentan un avance conceptual, una aplicación de los colores brillantes y el emocionalismo abierto de la animación moderna y convencional a una zona de experiencia poco probable. Desde el principio, el estudio ha explorado la vida interior de objetos inanimados como lámparas y juguetes con una ternura que ahora damos por sentada. También ha convocado al futuro poshumano («Wall-E») y el inconsciente humano («De adentro hacia afuera») con un ingenio impresionante. Y ahora se ha propuesto hacer una caricatura familiar sobre la muerte.

No dejes que eso te asuste a ti oa tus hijos. Hay un asesinato (revelado en el tercer acto) y un accidente fatal relacionado con la campana de la iglesia (presenciado en el primero), pero el más allá en «Coco» es un lugar cálido y frenético, más cómico que espeluznante. La historia transcurre durante el Día de Muertos, cuando según la tradición mexicana (al menos interpretada por Lee Unkrich y Adrian Molina, quienes dirigieron el guión escrito por Molina y Matthew Aldrich), los controles fronterizos entre la vida y la muerte se relajan. ya los difuntos se les permite el paso temporal a la tierra de los vivos. Un joven llamado Miguel (con la voz de Anthony González) hace el viaje al revés, lo que no quiere decir que muera, sino que su yo vivo, a través de una de varias lagunas metafísicas que la película explica a medida que avanza, se transporta. en un mundo fantástico de espectros y esqueletos, que celebran fiestas fabulosas y conciertos estridentes al aire libre.

Casi tan encantador como ese reino mágico es el pueblo mexicano de Santa Cecilia, la ciudad natal de Miguel, donde forma parte de un próspero clan de zapateros. La vibra cultural de «Coco» es más inclusiva que exótica, adelantándose a las preocupaciones inevitables sobre la autenticidad y la apropiación con la mezcla de encanto y sensibilidad que se ha convertido en una especie de sello distintivo de Disney del siglo XXI. Aquí, la importancia de la familia, el hogar multigeneracional que sostiene y constriñe al héroe, es tanto específica como universal. Es lo que explica los ritmos particulares de la historia de Miguel y lo que lo conecta con los espectadores, independientemente de sus antecedentes.

Muestra cierto parentesco con otros conocidos personajes de dibujos animados recientes. Músico talentoso en una familia que prohíbe la música, se parece un poco a Remy, la rata «Ratatouille» cuyos parientes eran hostiles a su ambición artística, y como Mumble, el pingüino inadaptado en «Happy Feet». La búsqueda genealógica de Miguel, una búsqueda de raíces, antepasados ​​perdidos e información que podría explicar quién es, se asemeja al viaje de Dory en «Buscando a Dory». Los compinches que lo acompañan, animales y (anteriormente) humanos, provienen de un pozo familiar de arquetipos, y la ronda final de aprendizaje de lecciones y reconciliación golpea notas que hemos escuchado muchas veces antes.

Pero si «Coco» no alcanza el nivel más alto de las obras maestras de Pixar, toca una melodía probada con una originalidad y un estilo cautivadores, y con una erudición erudita y divertida de la cultura pop. El modelo musical de Miguel, y la fuente del embargo familiar sobre la expresión musical, es un cantante y estrella de cine muerto hace mucho tiempo llamado Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt). En la vida y en la muerte, encarna venerables ideales de romance y machismo herido, o al menos sus encarnaciones del mundo del espectáculo. (Sus grandes éxitos y clips de películas forman parte de la textura de «Coco», como lo hacía el antiguo programa «Woody’s Roundup» en las películas de «Toy Story»).

La encarnación más pura de esa tradición es Héctor (Gael García Bernal), un fantasma andrajoso y olvidado que se hace amigo de Miguel. Lo que une a Héctor con De la Cruz es una espeluznante historia de pasión, traición y nostalgia. Sus vidas y muertes son una balada cuyo significado y melodía debe aprender Miguel. Al hacerlo, comprenderá el hilo que lo une a ambos, y también las fuentes del animus antimusical que corre con tanta fuerza en su línea materna.

Coco es el nombre de la bisabuela de Miguel, quien resulta ser el corazón de la historia. Su madre, Imelda (Alanna Noël Ubach), es una matriarca furiosa al otro lado de la tumba, mientras que la hija de Coco, la Abuelita de Miguel (Renée Victor), es una auténtica autócrata de carne y hueso. Su determinación de silenciar la guitarra de Miguel surge de la angustia y de la asociación del instrumento con la extravío de los hombres.

“Coco” evita los tonos más oscuros asociados a este tema, en la forma en que las viejas baladas de asesinatos a veces se reconciben como canciones infantiles. Es tranquilizador en lugar de inquietante, que es un compromiso comercial inteligente y exitoso, pero un compromiso de todos modos.



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